prestigium.com http://prestigium.com Une certaine idée du prestige Thu, 02 Jul 2020 17:03:24 +0000 fr-FR hourly 1 https://wordpress.org/?v=5.4.2 Pourquoi déteste-t-on la musique classique ? http://prestigium.com/361.cfm http://prestigium.com/361.cfm#respond Thu, 02 Jul 2020 16:12:39 +0000 http://prestigium.com/?p=361

Êtes-vous mélomane ou musicophile ? Musicophile se dit d’une personne passionnée par la musique tandis que mélomane se dit d’une personne amatrice de musique très encline à la musique classique. Seulement, la notoriété de la musique classique n’est plus comme avant. Pour connaître la cause, démêlons les vrais du faux, et afin qu’on puisse connaître […]

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Êtes-vous mélomane ou musicophile ? Musicophile se dit d’une personne passionnée par la musique tandis que mélomane se dit d’une personne amatrice de musique très encline à la musique classique. Seulement, la notoriété de la musique classique n’est plus comme avant. Pour connaître la cause, démêlons les vrais du faux, et afin qu’on puisse connaître pourquoi on déteste autant la musique classique.

Une question d’éducation musicale

À partir du XXe siècle, de multiples genres musicaux ont vu le jour et deviennent très tendance, ce qui n’a pas du tout manqué de plaire à la nouvelle génération, notamment aux jeunes futurs musiciens. Dans certaines écoles de musique, les premières mélodies qu’on apprend sont généralement des mélodies de musiques classiques standards, ce qui inconsciemment poussent les jeunes musiciens à découvrir la musique classique. Pour d’autres, on initie les élèves à des mélodies de comptines afin de les faire découvrir les accords de base.

À partir des années 1900, le jazz, la musique country, et le blues ont commencé à s’emparer de l’univers musical qui ont également influencé la musique au niveau international, et qui ont contribué à la naissance de plusieurs genres musicaux comme le Rock & Roll issue du la musique country et du blues, etc. Les parents un peu « vieille école » qui souhaitaient initier leurs enfants à la musique n’étaient pas généralement enclins à ces nouveaux genres musicaux, ce qui explique les débuts en musique classique de plusieurs artistes célèbres. On peut notamment citer Miles Davis, un trompettiste jazz qui avait fortement contribué à la renaissance du Jazz moderne.

Une question de sonorité

Si tout le monde avait même une très infime connaissance en théorie musicale, on pourrait dire que la musique classique a une grande présence rythmique, enfin pour la plupart, même s’il n’y a pas de vraie partition de batterie où une grosse caisse est omniprésente, mais que de tambours et de quelques cymbales. Cependant, pour les « non-mélomane » il s’agit généralement d’une musique à dormir debout, soulante. La musique classique peut être une musique joyeuse et triste à la fois, mais ne pourra jamais « enflammer » une fête comme les jeunes espèrent. Néanmoins, la musique classique a toujours été choisie pour être jouée dans des fêtes ou spectacles très décents et d’ailleurs l’est toujours.

Une musique incomprise

Si on dit que Amadeus Mozart, Debussy, Ravel Stravinski, Tchaïkovski, sont des génies, c’est qu’il y a une raison. Pour pouvoir bien comprendre la musique classique, il ne faut pas se contenter d’écouter, la connaissance des théories musicales est un très grand plus. La musique classique est réputée pour être une musique assez complexe, on peut comprendre si beaucoup de personnes n’arrivent pas ressentir les émotions qu’elle dégage. Cette musique regorge aussi de plusieurs nuances, et c’est pourquoi elle a été choisie pour être la musique officielle jouée dans les spectacles comme les opéras.

Même si la musique classique est souvent critiquée, il ne faut pas oublier qu’elle a contribué grandement à la naissance de plusieurs genres musicaux qui sont toujours actuellement très tendance.

Fait intéressant : Le film pirates des caraïbes regorge de musiques classiques, notamment The Black Pearl

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3 secrets pour développer votre oreille musicale http://prestigium.com/358.cfm http://prestigium.com/358.cfm#respond Thu, 02 Jul 2020 16:08:18 +0000 http://prestigium.com/?p=358

Dans la musique, l’oreille musicale est une qualité à part. Une bonne écoute permet non seulement de progresser plus rapidement que ce soit en tant que musicien ou en tant que chanteur. Dans un groupe, il s’agit également d’une qualité très recherchée car le tout c’est de pouvoir jouer en harmonie et de pouvoir s’entendre. […]

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Dans la musique, l’oreille musicale est une qualité à part. Une bonne écoute permet non seulement de progresser plus rapidement que ce soit en tant que musicien ou en tant que chanteur. Dans un groupe, il s’agit également d’une qualité très recherchée car le tout c’est de pouvoir jouer en harmonie et de pouvoir s’entendre.

Écoute active : le maître mot

On peut admettre que reproduire un solo de guitare démentiel peut être très cool, mais encore faut-il l’apprendre de la bonne façon et la plus rapide. Pour un simple solo copié collé, un guitariste professionnel lambda mettra souvent entre 15 minutes et 1 heure pour l’apprendre, en fonction de la longueur du solo et son niveau de difficulté. Pour un guitariste professionnel ayant une oreille musicale très développée, il pourra facilement l’apprendre en 15 et 30 minutes, voire moins.

Écouter et réécouter

Pour développer l’oreille musicale, il suffit d’écouter, rien qu’écouter, et c’est encore beaucoup plus facile que faire une lecture. En écoutant, et en réécoutant, votre cerveau commencera à recueillir plusieurs informations et les classer dans un coin de votre tête. Après avoir écouté et réécouté une chanson que vous n’avez encore jamais écouté auparavant, prenez votre instrument de musique et essayez de reproduire, vous allez voir que vous identifiez avec beaucoup plus de précision les notes, les accords ainsi que les phrases.

1. Écouter et jouer en même temps

Une autre façon de réveiller l’oreille musicale est de reproduire une chanson pendant que vous l’écouter. Cette technique consiste à essayer de faire une lecture du jeu des accords. En gros essayer de deviner les constructions et les progressions des accords. Très peu de musiciens ne recommandent pas cette technique, et encore moins le pratiquent. Cependant, cette technique permet d’aiguiser le sens le plus indispensable dans la musique qui est l’ouïe, à part le toucher bien évidemment.
Le tout c’est de faire 75 % d’écoute et jouer les 25 % restants.

2. Se mettre dans la peau d’un bassiste

Dans un groupe, le musicien susceptible d’apprendre sa partition le plus rapide est souvent le bassiste. Instrument souvent à 4 cordes, le bassiste joue que très rarement des accords, voire presque jamais. L’idée est de se mettre dans la peau du bassiste afin d’avoir une certaine idée d’un accord. Le seul risque dans cette technique est la possibilité d’être induit en erreur. En effet, si un guitariste par exemple joue un accord comme Si mineur, le bassiste lui n’a qu’à jouer la note Si, à moins que ce dernier joue un accord dissonant. Dans ce cas il est assez difficile de reconnaître la vraie note à jouer, d’où l’intérêt d’apprendre le solfège ou la théorie musicale.

3. Chantonner

Pour développer une bonne oreille musicale, il n’est pas nécessaire d’avoir votre instrument à la main, ni d’être à un endroit en particulier. Munissez-vous de votre smartphone et jouez une chanson qui se trouve dans votre playlist de manière aléatoire. Vous n’avez qu’une chose à faire, c’est de chantonner ! À force de le faire, vous serez capable de déchiffrer les accords plus facilement avec votre instrument.

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Comment bien écrire les paroles d’une chanson ? http://prestigium.com/355.cfm http://prestigium.com/355.cfm#respond Thu, 02 Jul 2020 16:03:00 +0000 http://prestigium.com/?p=355

Écrire les paroles d’une chanson ne demande pas beaucoup de connaissances en solfège ou en théorie musicale. Toutefois, le tout c’est de savoir bien caler la mélodie de la musique aux paroles. Pour écrire de belles paroles, il existe deux techniques qui consistent soit à écrire le texte avant la musique, soit après. Voici les […]

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Écrire les paroles d’une chanson ne demande pas beaucoup de connaissances en solfège ou en théorie musicale. Toutefois, le tout c’est de savoir bien caler la mélodie de la musique aux paroles. Pour écrire de belles paroles, il existe deux techniques qui consistent soit à écrire le texte avant la musique, soit après. Voici les techniques à privilégier pour écrire les paroles d’une chanson.

Les méthodes les plus simples

Trouver l’inspiration

L’idée d’écrire une belle chanson, c’est bien, encore faut-t-il trouver de quoi elle va parler. Pour trouver l’inspiration, on peut s’inspirer d’une personne qu’on aime, s’inspirer de la vie, la morale, la justice, la tristesse, la culpabilité, etc. Afin d’augmenter encore plus l’inspiration, on peut également envisager de changer notre quotidien en partant par exemple au grand air, en faisant une escapade un week-end, ou encore en observant notre entourage.

Utiliser un dictionnaire

Beaucoup pourrait trouver ridicule le fait d’utiliser un dictionnaire pour écrire des paroles. Or, il ne s’agit pas de n’importe quel dictionnaire, il s’agit d’un dictionnaire de rimes que l’on peut facilement trouver sur internet. En effet, il n’est pas toujours évident de trouver de bonnes rimes pour écrire de belles paroles. Dans ce cas de figure, le dictionnaire peut également servir à trouver l’inspiration.

Écrire après la mélodie

Pour ceux et celles qui souhaitent écrire une chanson, il est très recommandé de toujours le faire après une mélodie, tout simplement parce que cette technique permet de trouver plus rapidement l’inspiration grâce aux notes et aux accords de la chanson. On peut même avoir une idée très précise du nombre de mots à ajouter dans une phrase pour le couplet ou le refrain. En gros, écrire après la mélodie permet de caler plus facilement les paroles avec la mélodie.

Écrire avant la mélodie

Dans ce cas de figure, écrire les paroles avant la chanson peut être assez complexe, surtout si on n’est pas musicien. Néanmoins, la technique la plus facile de le faire c’est d’éviter de penser qu’on est en train d’écrire des paroles mais plutôt un poème ou un sonnet. Dans ce cas, si on décide de collaborer avec un musicien ou vendre le texte, on n’aura pas à penser au reste du travail, c’est-à-dire la composition de la mélodie.

Faire un travail de groupe

S’il y a bien une très bonne façon d’écrire les paroles d’une chanson c’est de faire un travail de groupe, c’est-à-dire faire appel au groupe, les autres musiciens. À titre d’exemple, bon nombre des chansons légendaires ou très célèbres sont généralement composés en groupe, on peut notamment citer Eagles sur la chanson Hotel California, ou encore les Beatles. Cette technique permet non seulement d’ajouter des chansons à la playlist d’un groupe mais permet également au groupe d’être soudé grâce au travail d’équipe.

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Tout savoir sur la fête de la musique http://prestigium.com/348.cfm http://prestigium.com/348.cfm#respond Wed, 01 Jul 2020 16:57:24 +0000 http://prestigium.com/?p=348

Tout le monde à forcément déjà entendu parler de la fête de musique. Seulement, personne n’est vraiment emballée par cette fête, quelques-uns en revanche oui. Non ce n’est pas du tout une fête où alcool à gogo il y a, ou ce genre de chose. Cette fête à une histoire à raconter. Origine de la […]

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Tout le monde à forcément déjà entendu parler de la fête de musique. Seulement, personne n’est vraiment emballée par cette fête, quelques-uns en revanche oui. Non ce n’est pas du tout une fête où alcool à gogo il y a, ou ce genre de chose. Cette fête à une histoire à raconter.

Origine de la fête de la musique

En 1976, Joel Cohen s’est mit dans la tête de fêter une journée spéciale dédiée uniquement à la musique. Travaillant pour Radio France dans les années 70, il souhaitait que des groupes de musiciens puissent faire des Jam sessions pendant le 21 juin à Toulouse et à Paris, le concept voir le jour mais a aussi tôt disparu des radars des fêtes. C’est seulement 5 ans après que Maurice Fleuret, un journaliste français grâce au coup de main du ministre de la culture de cette époque que la fête de la musique a été officielle.

Le point négatif

Festival célébré par plus de 100 pays, la fête de la musique est une fête très appréciée des musiciens, et très attendue par ces derniers afin de pouvoir faire de la musique toute la nuit. Cependant, étant une fête où la musique est l’activité principale, les nuisances sonores sont également au rendez-vous, ce qui évidemment agacent certaines oreilles et qui finit par se transformer en plainte.
Comme tous les festivals, la fête de la musique laisse également des déchets et parfois certains dégâts.

Les possibilités pendant la fête de la musique

À travers d’innombrables concerts et différentes formes de musique pour promouvoir différentes formes de musique, le slogan est tout simplement « Make Music », qui explique pleinement le rôle du de la fête de la musique.
Dans chaque ville du monde entier, il existe généralement un grand stand ou plusieurs petits stands installés afin que des musiciens puissent se former et jouer. Il n’y a pas de règle ! Tous les musiciens peuvent jouer si l’envie leur tente, tous les styles musicaux sont également les bienvenus.
En France, le festival de la musique a été très populaire depuis sa création et l’est toujours jusqu’à présent.

Promotion instrument de musique

Ce qui intéresse bon nombre de musiciens pendant le festival de la musique ce sont les promotions que nombreuses marques de renoms offrent. Pour certains matériels ou instruments, il est même possible de les acheter à moitié de leur prix initial.

Rencontre musicale

Quelle meilleure façon de faire une bonne rencontre musicale que pendant la fête de la musique ? Comme plusieurs stands se forment un peu partout, il est plus qu’intéressant pour un musicien en quête de savoir d’y participer.

Le 21 juin a été choisi pour devenir la date pour fêter le festival de la musique car c’est le premier jour de l’été dans l’hémisphère Nord, une journée où le jour est très long et la nuit très courte.

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Les bonnes choses à faire pour être un bon musicien http://prestigium.com/345.cfm http://prestigium.com/345.cfm#respond Wed, 01 Jul 2020 16:50:33 +0000 http://prestigium.com/?p=345

Nombreux sont ceux qui sont restés des musiciens débutants ou amateurs toute leur vie sans jamais avoir pu atteindre le niveau de professionnel même avec de gros efforts. Pour être un bon instrumentiste, les efforts peuvent ne pas suffire. Pour preuve, regardez des interviews, des biographies des musiciens professionnels très reconnus ou pas. Vous verrez […]

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Nombreux sont ceux qui sont restés des musiciens débutants ou amateurs toute leur vie sans jamais avoir pu atteindre le niveau de professionnel même avec de gros efforts. Pour être un bon instrumentiste, les efforts peuvent ne pas suffire. Pour preuve, regardez des interviews, des biographies des musiciens professionnels très reconnus ou pas. Vous verrez qu’ils n’ont pas fait uniquement des efforts pour faire qu’un avec leur instrument, ils ont fait autre chose …

4 qualités indispensables pour devenir un musicien exceptionnel

1. L’écoute

S’il y a bien une chose qui est indispensable pour être un professionnel, quelque soit l’instrument que vous jouez, c’est bien l’écoute. Ici on parle notamment de l’écoute en général, celui de savoir écouter les autres musiciens afin de se compléter pour être en harmonie. Si tout le monde lisait une partition, l’écoute ne serait pas indispensable car chaque musicien à une partition bien précise. Si vous souhaitez par exemple intégrer un groupe de jazz pro, cette qualité numéro 1 vous sera d’une très grande aide car tout sera basée sur l’improvisation en général.

2. L’exercice

Tous les professionnels ne vous le diront jamais assez ! Comme le disait si bien Louis Armstrong : « Si je ne m’exerce pas pendant une journée, je le sais. Si je ne m’exerce pas pendant deux jours, les critiques le savent. Si je ne m’exerce pas pendant trois jours, le public le sait. ».  Pour être bon, les exercices sont obligatoires. Cependant, la musique ne fonctionne pas comme les maths, 1h d’exercice peut suffire et peut aussi ne pas l’être. Ce qui compte ce n’est pas uniquement de s’exercer, mais ce que vous ajoutez dans les exercices comme le disait Eric Lindros.

3. Un bon entourage

Souvenez-vous quand Charlie Parker alias Bird a failli se faire décapiter par une cymbale lancée par Papa Jo Jones lors d’un bœuf jazz. Cependant, après cet incident, et après avoir essuyé les moqueries du public, Bird n’a pas abandonné mais au contraire s’est exercé de jour comme de nuit et a fini par atteindre un très bon niveau pour ensuite jouer avec des mastodontes du jazz comme Dizzy Gillespie et devenir une légende parmi les jazz men saxophonistes.
En somme, un bon entourage, c’est-à-dire un entourage composé de bons musiciens peut vous aider à vous hisser plus rapidement à un plus haut niveau grâce à l’influence et à l’inspiration.

4. Un caractère et une personnalité bien trempée

Dans n’importe quel genre ou de style musical, il faut impérativement mettre en valeur votre personnalité. Le tout c’est de savoir vous reconnaître dans votre univers musical, votre musique. Pour y parvenir, ajoutez un style qui vous est propre. Vous connaissez sûrement le parrain de la soul James Brown qui est l’un des fondateurs du Funk grâce des musiciens de génie comme Maceo Parker, Jabo Starks, Fred Wesley ou encore Clyde Stubblefield. Le Funk n’est pas né du jour au lendemain, il a été créé en faisant plusieurs essais. Trouvez ou créez votre style, ou pourquoi pas un nouveau genre musical.

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Comment vendre un instrument de musique ? http://prestigium.com/342.cfm http://prestigium.com/342.cfm#respond Wed, 01 Jul 2020 16:45:00 +0000 http://prestigium.com/?p=342

Il existe plusieurs moyens de vendre un instrument de musique. Afin de le ou les vendre plus rapidement, il faut d’abord savoir quelle en est la motivation. S’agit-t-il de vendre l’instrument au plus offrant juste pour s’en débarrasser ? Le but est-il de faire un échange ? Voici nos conseils pour vendre n’importe quel instrument […]

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Il existe plusieurs moyens de vendre un instrument de musique. Afin de le ou les vendre plus rapidement, il faut d’abord savoir quelle en est la motivation. S’agit-t-il de vendre l’instrument au plus offrant juste pour s’en débarrasser ? Le but est-il de faire un échange ? Voici nos conseils pour vendre n’importe quel instrument de musique.

Vendre un instrument de musique pour s’en débarrasser

Proposer aux proches

Il est assez facile de vendre un instrument de musique si c’est pour s’en débarrasser. Certains sont même capable de le faire gratuitement. Cependant, il est toujours préférable de proposer l’instrument à vendre aux proches. Qui sait ? Il y a peut-être un petit musicien en herbe qui serait intéressé et prêt à tout pour avoir l’instrument.

Faire une annonce

Pour vendre un instrument de musique sur internet, il faut à tout prix soigner l’annonce afin de trouver le plus rapidement un potentiel acheteur. Pour cela, il faut intégrer la marque, le modèle de l’instrument et l’année à la quelle on l’a acheté. Dans des sites spécialisés, il faudra penser à ajouter le prix dans l’annonce, pour d’autres, il faut contacter le vendeur pour connaître le prix.
Si un acheteur est intéressé, ne pas oublier de bien emballer le colis car il peut être fragile, et il serait également très dommage si des conflits se produisent à cause de ce genre d’incident.

Faire un échange d’instrument

Trouver des sites spécialisés

En effet il existe quelques sites qui proposent des échanges d’instrument de musique. Dans ce cas de figure, un petit rallongement de prix est à prévoir car il n’est pas impossible que l’instrument que l’on souhaite échanger avec le nôtre peut coûter beaucoup plus cher à cause de la marque ou encore de la rareté de l’instrument.

Chercher un musicien

Instrument en très bon état ? Il y a de forte chance qu’un musicien soit intéressé par l’offre, ou sinon il pourra passer un petit mot à ses amis musiciens. Dans ce genre de cas, il y a deux solutions à choisir, soit on choisit de faire une rencontre pour livrer en main propre le matériel, soit on l’expédie via la livraison. De ce fait, il nous suffit de choisir la solution la plus adaptée à notre convenance et le tour est joué.

Vendre un instrument de musique exceptionnel

Il existe plusieurs types d’instrument de musique, de toutes les marques, et tous les prix sont différents. Si on ignore à quel prix fixer l’instrument à vendre, il est conseillé de bien regarder la marque et l’année de production du produit afin de faire une référence et faire une petite recherche sur internet. De cette manière on pourra faire une petite comparaison en fonction de l’état actuel de l’instrument.
Attention ! Il existe des modèles d’instrument de musique très rares et qui peuvent valoir une grosse fortune ! Le tout c’est de toujours vérifier, voire demander conseil à des professionnels en la matière pour être sûr de vendre l’instrument à sa juste valeur.

 

 

 

 

 

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Comment avoir un concert et remplir la salle ? http://prestigium.com/339.cfm http://prestigium.com/339.cfm#respond Wed, 01 Jul 2020 16:35:40 +0000 http://prestigium.com/?p=339

Il est assez facile de former un band de quelques ou plusieurs personnes, mais encore faut-il trouver comment obtenir des shows, des concerts ou tout semblant d’apparence face à un public afin de pouvoir être sûr d’aller de l’avant. Certains groupent n’ont même pas fait long feu à cause de la difficulté d’obtenir un concert. […]

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Il est assez facile de former un band de quelques ou plusieurs personnes, mais encore faut-il trouver comment obtenir des shows, des concerts ou tout semblant d’apparence face à un public afin de pouvoir être sûr d’aller de l’avant. Certains groupent n’ont même pas fait long feu à cause de la difficulté d’obtenir un concert. Suiviez cet article et vous verrez que ce n’est vraiment pas aussi complexe que cela.

Les bonnes pratiques

S’exercer et répéter

Pour pouvoir assurer un bon concert, on est d’accord qu’il faut à tout prix être prêt et avoir la tête froide, mais tout dans la mémoire.
Une fois que tout est prêt, essayez de mettre en valeur votre personnalité musicale, notamment si vous êtes le leader de votre groupe. On entend par personnalité musicale une signature, une marque. Cela peut être de l’animation, une signature rythmique, un sketch, etc. L’objectif de tout cela est tout simplement de conquérir une nouvelle vague de fanbase à part votre fanbase initiale.
Pour trouver votre inspiration, n’hésitez pas à aller voir des concerts d’autres groupes (amateurs ou professionnels), vous aurez toujours quelque chose à apprendre.

Trouver le bon endroit

Bien que vous ayez déjà 2 ou 3 concerts à votre actif, il est toujours important de bien choisir le lieu où va se tenir votre concert. En effet, il s’agit d’un critère très important pour que votre salle soit au minimum à moitié pleine, voire plein à craquer. Pensez à vos fans ! Si votre concert va se dérouler à 4h de chez eux, ne soyez pas surpris de ne voir que vos amis les plus proches dans la salle.
Pour bien choisir une salle de concert, prenez en compte ces 4 critères :
La proximité de vos fans
La taille de la salle
La visibilité du lieu
L’accessibilité du lieu

Parler aux gérants

En effet, il est bien évident que vous ne pourrez pas jouer sans le feu vert des gérants de la salle que vous avez choisi. Il faut savoir que certains gérants peuvent être assez difficile à convaincre, dans ce cas, faites preuve de flexibilité. Dans le cas où vous disposez d’un manager, l’histoire ne sera pas la même, mais à ce stade de votre carrière, il est normal que vous fassiez tout tout seul.

Faire de la promotion

Etant un groupe, vous pouvez très bien essayer de répartir les tâches pour mieux atteindre une plus vaste audience au niveau des réseaux sociaux. En parlant de réseaux sociaux, il s’agit du moyen le plus efficace pour faire la promotion de votre concert, pourquoi vous en priver ? Si vous êtes plutôt faible dans le numérique ou dans l’informatique, il est grand temps de vous y mettre. Cela ne sera que bénéfique pour votre groupe.
Pour mieux attirer l’attention d’une audience il faut que vous ayez une vidéo de vous quelque part sur les réseaux, notamment sur youtube et facebook, avec une qualité convenable afin que vos futurs fans puissent avoir une idée de ce que vous faites, une idée de votre style musical.

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Idée aménagement pour insonoriser une salle de répétition http://prestigium.com/314.cfm http://prestigium.com/314.cfm#respond Tue, 30 Jun 2020 18:57:20 +0000 http://prestigium.com/?p=314

Vos voisins commencent à être agacé par vos talents de batteur ? Il y en a qui font aménager le jardin, pourquoi pas votre salle de musique ?  Voici les bonnes pratiques à faire pour insonoriser correctement. Les isolations à faire pour insonoriser une salle de musique L’isolation phonique Pour insonoriser une salle de répétition, ou home […]

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Vos voisins commencent à être agacé par vos talents de batteur ? Il y en a qui font aménager le jardin, pourquoi pas votre salle de musique ?  Voici les bonnes pratiques à faire pour insonoriser correctement.

Les isolations à faire pour insonoriser une salle de musique

L’isolation phonique

Pour insonoriser une salle de répétition, ou home studio, l’isolation phonique fait partie de la pratique la plus utilisée car elle se trouve être la pratique la plus efficace pour éviter les bruits aussi bien sortants qu’entrants. Pour ce qui est des matières, il y a la laine de roche, la laine de verre, le chanvre ou encore la cellulose. En outre, l’isolation est comme une boîte dans une boîte. Cependant, avant même d’envisager d’installer une isolation phonique dans une salle de musique, il faut avant tout étudier le plan de l’électricité pour éviter d’improviser, voire tout refaire ou encore installer une nouvelle source de courant.

Les alvéoles d’œufs

Beaucoup trouvent les alvéoles d’œufs très moches, ce qui est un fait, en plus les alvéoles d’œufs n’étant pas étanches, elles laissent facilement passer le son car elles sont très fines et légères. En revanche, il faut savoir que les alvéoles d’œufs donnent des réverbérations, ce qui laisse place au retour de son et permet de revenir à son point de départ, ayant comme conséquence d’éviter les échos, ce qui améliore nettement le son.
Il ne s’agit pas d’une isolation phonique mais plutôt une technique permettant d’améliorer le son, très idéale pour une salle de répétition isolée. L’idée est de les ajouter une fois une isolation phonique mis en place afin d’améliorer le rendement sonore.

La peinture phonique

Oui ça existe ! Il s’agit de la peinture par excellence conçue pour éviter que les sons traversent une pièce, ceci grâce aux micro-billes de verre faisant partie de ses composantes susceptibles de contenir l’air. Le traitement peinture phonique ne consiste pas tout simplement à mettre une couche de peinture sur tous les murs. La peinture phonique se fait en 2 parties, la sous-couche et la couche de finition. Avant de le faire, il faut toutefois faire une application minutieuse de ponçage et de dépoussiérage.

L’isolation des murs

Avant tout, pour limiter au maximum le passage du son vers l’extérieur, le minimum c’est d’avoir un mur en béton. Il existe cependant plusieurs procédés spécifiques pour isoler les murs, et il est recommandé de faire appel à des professionnels afin d’éviter de faire des dégâts.

Les rideaux

Il ne s’agit pas de n’importe quel rideau. Il s’agit des rideaux conçus pour insonoriser une pièce. Dans ce cas de figure, les rideaux sont conseillés pour les pièces un peu plus grandes. En effet, il serait assez difficile et coûteux d’installer une isolation phonique dans une très grande pièce.
Pour limiter au maximum les échos, ajoutez des meubles, une grande moquette sur le sol, des toiles sur les murs.

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Mariage : Dj VS Orchestre, le pour et le contre http://prestigium.com/320.cfm http://prestigium.com/320.cfm#respond Tue, 30 Jun 2020 18:51:04 +0000 http://prestigium.com/?p=320

Votre choix est déjà fait en ce qui concerne l’animateur de votre mariage ? Eh bien ne soyez pas aussi pressé ! Refaites le pour et le contre. Vous verrez que les deux camps ont de nouveaux atouts qui pourront certainement vous faire changer d’avis. Dj mariage Les avantages et inconvénients L’avantage principal d’engager un […]

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Votre choix est déjà fait en ce qui concerne l’animateur de votre mariage ? Eh bien ne soyez pas aussi pressé ! Refaites le pour et le contre. Vous verrez que les deux camps ont de nouveaux atouts qui pourront certainement vous faire changer d’avis.

Dj mariage

Les avantages et inconvénients

L’avantage principal d’engager un Dj pour votre mariage est le fait que ce dernier propose une formule beaucoup plus alléchante qu’un orchestre. D’habitude un Dj peut être un groupe formé de 2 ou 3 personnes, mais majoritairement un seul pendant un mariage. Autre fait intéressant, les matériels d’un Dj sont moins encombrants que ceux d’un orchestre, ce qui pourrait optimiser l’espace d’une petite pièce, surtout si celle-ci ne dispose pas d’une estrade dédiée. Toutefois, les spots lumineux en revanche peuvent ne pas en faire partie.
En ce qui concerne la musique, la playlist d’un Dj est beaucoup plus importante, ce qui vous permettrait de demander une chanson à la volée pendant votre mariage.

L’animation pendant un mariage ne se fait pas uniquement avec de la bonne musique, ni avec une musique non-stop. Le tout c’est de savoir inviter les convives à s’éclater et à s’amuser en dansant, voire même en faisant des jeux. S’il se trouve que vous avez engagé un Dj plutôt timide, n’espérez pas avoir ce type d’ambiance dans votre mariage, à moins que vous ayez une famille plutôt fêtarde et qui sait pimenter n’importe quel évènement.

Orchestre mariage : une ambiance exceptionnelle

Moins d’avantages mais recommandé

Pour ce qui est du choix d’un orchestre pour un mariage, il va falloir faire beaucoup plus attention. En effet, à la différence d’un orchestre, même un Dj médiocre pourrait facilement assurer l’animation musicale d’un mariage, ce qui n’est pas toujours le cas pour un orchestre car les musiciens jouent en live, et si trop de faux accords il y a, cela risque de vous agacer à la longue, voire bousiller l’ambiance de votre mariage. Pour éviter ce genre de problème, demandez des recommandations auprès de vos proches, ou encore allez voir les concerts du groupe, ou bien allez chercher directement un orchestre professionnel sur internet.

Le grand avantage de miser sur un orchestre pour un mariage est certainement la musique qu’il joue qui dégage beaucoup plus de vie et d’émotions, surtout s’il s’agit d’un groupe de professionnel.
En revanche, vous pourrez que très rarement demander une chanson particulière à un orchestre car il y a de forte chance qu’elle ne se trouve pas dans leur playlist, à moins que la chanson en question soit un grand classique pendant un mariage.
L’animation est aussi un surplus car un orchestre est généralement amené à inviter les convives à remplir la piste de danse pour faire éclater l’ambiance.
Pour ce qui est du tarif, il est très évident qu’il sera beaucoup plus salé que le tarif d’un Dj. En effet, un orchestre est souvent composé d’un groupe de 4 personnes minimum : le chanteur(se), le batteur, le guitariste et le bassiste.

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Les meilleures marques de batterie acoustique http://prestigium.com/317.cfm http://prestigium.com/317.cfm#respond Tue, 30 Jun 2020 18:37:50 +0000 http://prestigium.com/?p=317

« Le batteur est toute la machine : le conducteur, le moteur, celui qui prend les décisions … Si le batteur s’arrête, tout s’arrête ! ». Bernard « Pretty » Purdie La musique est une thérapie, et ça marche encore mieux sur une batterie acoustique de par le fait de frapper l’instrument. Pour mieux se […]

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« Le batteur est toute la machine : le conducteur, le moteur, celui qui prend les décisions … Si le batteur s’arrête, tout s’arrête ! ». Bernard « Pretty » Purdie
La musique est une thérapie, et ça marche encore mieux sur une batterie acoustique de par le fait de frapper l’instrument. Pour mieux se défouler ou évacuer le stress, autant choisir la meilleure marque de batterie acoustique.

Les marques de batterie les plus appréciées en 2020

Numéro 1 :  Gretsch

Gretsch est une marque américaine qui fabrique des batteries acoustiques et guitares électriques après avoir vendus des tambourins et des banjos. Fondée en 1883 par Friedrich Gretsch, la marque a commencé à acquérir de l’ampleur au niveau international à partir des années 1960 grâce à des batteurs jazz de renoms comme Elvin Jones, Max Roach ou encore Tony Williams.
Les marques Gretsch de haute qualité sont encore aujourd’hui vendues aux États-Unis.

Numéro 2 : Yamaha

Yamaha est une marque connue pour ses produits dans nombreux domaines à part la musique. Fondée vers la fin des années 1800 par Torakusu Yamaha, la marque a connu un grand succès auprès du public non pas grâce à ses batteries mais grâce à ses diversités de produits d’excellente qualité. Comme pour la marque Gretsch, les modèles de batterie acoustique Yamaha ont connu à leur tour le succès grâce à des batteurs légendaires comme Steve Gadd ou Dave Weckl.

Numéro 3 : Pearl

Marque fondée un an après la seconde guerre mondiale au japon par Katsumi Yanagisawa à Tokyo, la petite entreprise a commencé par vendre des pupitres, puis des percussions et enfin les batteries acoustiques Pearl. Une fois les batteurs américains conquis par la qualité des modèles, la marque a connu une ascension au niveau international. Ce succès a continué de s’accroître au fil des ans, surtout après le passage des batteurs comme Phil Collins et Jeff Porcaro.

Numéro 4 : Ludwig

Cette marque a été créée par deux frères connus sous le nom de William et Théo Ludwig en 1910. La particularité de cette marque c’est qu’elle fut l’une des premières à faire preuve d’innovation en créant une pédale mécanique d’accord pour timbales symphoniques. Faute de soucis financiers, l’entreprise dut se faire racheter par une multinationale appelée Conn-Selmer. Parmi les batteurs de renoms qui utilisent cette marque, on peut notamment citer Ringo Starr le batteur des Beatles ou John Bonham le batteur de Led Zepplin.

Numéro 5 : Tama

Il s’agit d’une marque japonaise fondée par Hoshino et lancée dans les années 60 et qui connaissent toujours un succès fulgurant jusqu’à maintenant. Avant que le nom de la marque soit attribué Tama, elle fut appelée Star Drums auparavant en raison du nom du fondateur. On peut citer Stewart Copeland, John Dolmayan, Lars Ulrich comme étant les doyens de la marque.

Numéro 6 : Sonor

Marque d’origine allemande créée par Johannes Link en 1875, la marque commence à atteindre un grand succès après la seconde guerre mondiale. La marque a d’abord été spécialisée dans les tambours militaires avant de reproduire des modèles de batteries. Parmi ses doyens, on peut citer le très célèbre Gavin Harrison, le batteur de Porcupine Tree.

Numéro 7 : DW

Marque créée par Don Lombardi dans les années 70, les gammes de batterie drums DW font partie des batteries les plus passe partout. On peut d’ailleurs le voir fréquemment dans des shows de rock, de jazz, de blues, de bossa, etc.

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